탈서사화된 도상들로 구축된 상징의 세계
The Symbolic World Constructed by Deconstructed Metanarratives
김성우(독립 비평가) Kim SungWoo
다소 소란스럽고 웅성대는 화면이 있다. 명료한 서사를 갖기보다 혼란스럽게 얽히고설킨 색의 조 합과 그 사이사이 언뜻 보이는 도상들은 웅얼거리듯 화면 위를 구성한다. 일견 화면 위를 빼곡히 채우는 작가의 유희적 제스처로 읽히던 도상은 이내 다시 의뭉스러운 인상으로 귀결된다. 개연성 을 선뜻 예측할 수 없는 이미지 앞에서 의문이 증폭되는 것은 어쩌면 당연한 결과인 듯하다. 의 미를 향하는 동시에 이내 미끄러지길 반복하는 과정에서 관객은 마치 ‘추리’[1]를 하듯 화면 안 여러 요소를 단서 삼아 내용을 추측하고, 캔버스 밖 다른 화면과의 영향 관계 안에서 모종의 서사 를 그려내야 한다. 오히려 이 언어적 서사의 불완전함을 둘러싼 시각적 단초와 감각에 집중함으로 보다 풍성하고 충만한 (서사적) 가능성의 영역이 열린다. 무언가 있는 듯한 풍경, 그것은 아직 무엇이라 정의하기 힘든, 하지만 잠재된 의미로 충동하는 풍경이라 할 수 있다.
박서연의 작업은 중첩된 색채와 조각난 도상, 그리고 흔적처럼 자리한 패턴들로 구성된다. 이 도 상들은 주로 작가가 일상에서 접한 대중문화의 산물 – 웹툰, 무협 소설, 추리 소설 – 등에서 발췌 된 것들이다. 다소 무작위로 선별되어 어지럽게 화면 위를 장식하는 듯한 도상을 자세히 들여다 보면 이들은 거칠게나마 특정 범주로 묶이는 듯하다. 이를테면, 제물을 태우는 제단, 주물로 뜬 사물, 용과 여의주, 나무와 열매, 날개를 활짝 편 채 위용을 떨치는 새와 같은 것들인데, 통속적인 장르물 차원에서 보자면 이러한 이미지는 그 형상과 형식을 조금 달리하더라도 보통은 기연과 극복, 현실의 초월을 의미하는 대상으로 반복, 재생산되어 왔다. 작가는 이를 현실로부터의 도피와 염원, 더 나아가 개인의 죄의식과 해방, 자기 치유를 위한 자기 세뇌적 주문에 이르기까지 내밀하 고도 개인적인 제의적 차원에서 도입한다. 그리고 박서연에 의해 기존 서사로부터 임의로 탈각된 도상은 더 이상 서사로서의 이미지가 아닌, 그 자체로 매우 개인적인 논리와 구조 아래 상징적 의미를 획득한 도상이며, 이후의 서사를 기다리는 잠재태로서의 위상을 획득한다. 여기서 도상을 그것의 출처, 즉 웹툰이나 소설과 같은 기존의 장르적 성질과 문맥으로부터 이탈시키고 회화라는 장르로 재해석, 이식하는 작가 고유의 방법론은 ‘번역’의 과정과도 닮아 있다. 번역이란 원문에서 의 정보나 뉘앙스가 다른 언어로 옮겨지는 과정에서 일부 누락됨을 수용함과 동시에 이렇게 유실 된 의미가 새로운 언어 안에서 새롭게 구성되는 것을 원리로 한다. 그러므로 도상을 발췌-탈 서사화-하여 새로운 구성의 한가운데 재위치-재서사-화 하는 작가 고유의 방식을 소실과 생성을 골자 로 하는 ‘번역’의 개념 차원에서 이해할 수 있겠다. 결국, 원래의 서사로부터의 탈피한 도상이 이 후의 서사를 위한 가능성으로 기능한다는 것은 작가가 부여한 고유한 문맥 아래에서 상징적 가치 를 지니게 됨을 뜻하는 것이며, 더 나아가 화면의 바깥에 위치한 관객 고유의 해석 여부를 따를 수밖에 없게 됨을 의미한다. 불완전한 서사의 부분과도 같은 박서연의 작업은 그렇기에 서사적이 기보다는 상징적이며, 문맥으로부터 이탈해 부유하는 이미지는 그 자체로 분할된 시퀀스처럼 모 종의 의미를 기다린다.
한편, 하나의 화면 위 총합된 구성은 화면 밖 또 다른 화면으로 연결, 확장하기도 한다. 선별된 도상은 캔버스를 달리하며 반복 출몰하고, 데칼코마니를 하듯 화면 위에 찍어낸 도상[2]은 패턴화 된다. 반복의 과정에서 형태는 종종 더 조각나고 분절되며, 이미지의 형상은 아스러지고 심지어 흔 적과 같은 텍스처로만 존재하기까지 한다. 흥미로운 것은 이러한 전이의 과정에서 도상은 점점 더 원래의 서사로부터 멀어지고, 캔버스를 넘나들며 연쇄, 연장하는 이미지의 재구성 및 재배치는 상징으로서의 기능만을 강화해 간다는 것이다. 작가가 구사하는 이미지의 반복 및 패턴화의 방법 론은 마치 인접성의 법칙에 따라 끝없는 연쇄로 이어지고, 이로부터 탈중심화/ 탈체계화된 사유를 이끌어내는 환유(metonymy)의 원리와도 닮아 있다. 온전히 개인적인 논리 구조 속에서 설정한 내밀한 상징 체계는 연쇄의 과정에서 의미를 직접적으로 드러내기보다는, 끊임없는 발견의 과정 위에 관객의 시선을 위치시킨다. 작가는 도상을 통해 찾아내고자 했던 선명한 의미와 서사로부터 시선을 빼앗고, 대신 새로운 서사적 감각의 가능성을 거듭해서 충동하게 하는 것이다. 이는 그가 그린 도상과 이미지, 그 부분들의 총체적 연결망 안에서만 입증될 수 있는 자유롭고 즉흥적인 감 각의 궤적이라 할 수 있다. 환유의 방법론, 즉 연상과 인접, 이월의 과정 속에서 서사를 둘러싼 감각적 풍성함을 담보하듯 말이다. 어떤 면에서는 이러한 감각적 충만함은 눈앞의 이미지에 다양 한 접근 경로를 가설함으로 언어적 규정과 주어진 의미 이상으로 대상에 대한 선명함을 선사한다. 그렇기에 서사로부터 탈주하는 의미 이면의 감각과 파편화된 인상의 연장에서 우리는 다성적 층 위의 공간적 감각까지도 확보하여 작가가 그려낸 모종의 세계에 다가서게 된다. 이러한 차원에서 보자면, 박서연이 그려낸 세계는 현실의 언어로부터 끊임없이 어긋나는 동시에 현실을 초월하는 감각을 앞세우며, 논리보다는 상상을 우선시하고, 때로는 의식보다는 무의식을 충동하는 초현실적 세계로 비치기도 한다. 의미로부터 미끄러지길 거듭하는 도상들, 파편화되고 패턴화된 이 이미지 들의 연쇄 속에서 이제 우리는 각자의 서사를 계속해서 구축해 나가야만 한다. 출현과 소멸을 반 복하는, 현실을 초월하는 서사와 시공을 목격하면서 말이다.
박서연은 재맥락화된 도상과 이미지를 통해 눈앞의 리얼리티를 새롭게 인식하도록 하며, 재배열 된 캔버스의 구성 논리 아래 다층적 서사와 복수의 의미를 허락한다. 이 과정에서 특정 장르에서 추출한 문자나 도상은 필연적으로 (서사의) 사라짐을 전재하게 된다. 하지만, 앞서 소실과 생성의 번역 논리에 작가의 작업을 빗대었듯, 그가 도용한 도상은 새로운 서사적 감각을 위한 단서로 기 능하게 된다. 그렇기에 이는 (서사의) 사라짐으로 생동하는 세계, 또 다른 서사라 할 수 있다. 서 사가 잠재된 사건으로서의 장면이자, 해석의 다양한 층위를 허락하는 알레고리인 박서연의 회화, 우리는 그가 만들어 낸 불완전한 네러티브에 몰입하여 현실을 바탕으로 한 자신의 서사를 능동적 으로 직조해야 하는 상황에 처한다. 오늘날의 이미지는 기호로서 해석을 기다리는 존재들이다. 그 냥 흩어지는 아무 의미 없는 장식이 아닌, 화면 위에 구성되고, 상호 관계를 맺으며, 의미의 연결 망을 이루는 존재라고도 달리 말할 수 있겠다. 하지만, 이미지는 그 스스로 먼저 말을 하지 않는 다. 그것을 바라보는 우리가 말을 덧댈 뿐. 즉, 이미지에 투영하는 우리의 욕망이 이미지를 의미 의 지평 위, 현실의 좌표 속에 고정시킨다.
1 작가는 지난 자신의 작업을 추리 소설에 빗대어 언급한다. 그것은 수수께끼와 같이 조각난 도상들-단서-를 통해 그가 화면 위 에 구축하려는 모종의 풍경을 사건화하는 토대가 된다.
2 작가는추출한도상을옮겨그리는것뿐만이아니라,종이위에옮기고오려내어마치도장을찍듯물감을묻힌후화면위에 반복적으로 찍는다. 이를 통해 발췌한 도상은 명료한 묘사가 소거된 마티에르로 전환된다.
박서연의 작업은 중첩된 색채와 조각난 도상, 그리고 흔적처럼 자리한 패턴들로 구성된다. 이 도 상들은 주로 작가가 일상에서 접한 대중문화의 산물 – 웹툰, 무협 소설, 추리 소설 – 등에서 발췌 된 것들이다. 다소 무작위로 선별되어 어지럽게 화면 위를 장식하는 듯한 도상을 자세히 들여다 보면 이들은 거칠게나마 특정 범주로 묶이는 듯하다. 이를테면, 제물을 태우는 제단, 주물로 뜬 사물, 용과 여의주, 나무와 열매, 날개를 활짝 편 채 위용을 떨치는 새와 같은 것들인데, 통속적인 장르물 차원에서 보자면 이러한 이미지는 그 형상과 형식을 조금 달리하더라도 보통은 기연과 극복, 현실의 초월을 의미하는 대상으로 반복, 재생산되어 왔다. 작가는 이를 현실로부터의 도피와 염원, 더 나아가 개인의 죄의식과 해방, 자기 치유를 위한 자기 세뇌적 주문에 이르기까지 내밀하 고도 개인적인 제의적 차원에서 도입한다. 그리고 박서연에 의해 기존 서사로부터 임의로 탈각된 도상은 더 이상 서사로서의 이미지가 아닌, 그 자체로 매우 개인적인 논리와 구조 아래 상징적 의미를 획득한 도상이며, 이후의 서사를 기다리는 잠재태로서의 위상을 획득한다. 여기서 도상을 그것의 출처, 즉 웹툰이나 소설과 같은 기존의 장르적 성질과 문맥으로부터 이탈시키고 회화라는 장르로 재해석, 이식하는 작가 고유의 방법론은 ‘번역’의 과정과도 닮아 있다. 번역이란 원문에서 의 정보나 뉘앙스가 다른 언어로 옮겨지는 과정에서 일부 누락됨을 수용함과 동시에 이렇게 유실 된 의미가 새로운 언어 안에서 새롭게 구성되는 것을 원리로 한다. 그러므로 도상을 발췌-탈 서사화-하여 새로운 구성의 한가운데 재위치-재서사-화 하는 작가 고유의 방식을 소실과 생성을 골자 로 하는 ‘번역’의 개념 차원에서 이해할 수 있겠다. 결국, 원래의 서사로부터의 탈피한 도상이 이 후의 서사를 위한 가능성으로 기능한다는 것은 작가가 부여한 고유한 문맥 아래에서 상징적 가치 를 지니게 됨을 뜻하는 것이며, 더 나아가 화면의 바깥에 위치한 관객 고유의 해석 여부를 따를 수밖에 없게 됨을 의미한다. 불완전한 서사의 부분과도 같은 박서연의 작업은 그렇기에 서사적이 기보다는 상징적이며, 문맥으로부터 이탈해 부유하는 이미지는 그 자체로 분할된 시퀀스처럼 모 종의 의미를 기다린다.
한편, 하나의 화면 위 총합된 구성은 화면 밖 또 다른 화면으로 연결, 확장하기도 한다. 선별된 도상은 캔버스를 달리하며 반복 출몰하고, 데칼코마니를 하듯 화면 위에 찍어낸 도상[2]은 패턴화 된다. 반복의 과정에서 형태는 종종 더 조각나고 분절되며, 이미지의 형상은 아스러지고 심지어 흔 적과 같은 텍스처로만 존재하기까지 한다. 흥미로운 것은 이러한 전이의 과정에서 도상은 점점 더 원래의 서사로부터 멀어지고, 캔버스를 넘나들며 연쇄, 연장하는 이미지의 재구성 및 재배치는 상징으로서의 기능만을 강화해 간다는 것이다. 작가가 구사하는 이미지의 반복 및 패턴화의 방법 론은 마치 인접성의 법칙에 따라 끝없는 연쇄로 이어지고, 이로부터 탈중심화/ 탈체계화된 사유를 이끌어내는 환유(metonymy)의 원리와도 닮아 있다. 온전히 개인적인 논리 구조 속에서 설정한 내밀한 상징 체계는 연쇄의 과정에서 의미를 직접적으로 드러내기보다는, 끊임없는 발견의 과정 위에 관객의 시선을 위치시킨다. 작가는 도상을 통해 찾아내고자 했던 선명한 의미와 서사로부터 시선을 빼앗고, 대신 새로운 서사적 감각의 가능성을 거듭해서 충동하게 하는 것이다. 이는 그가 그린 도상과 이미지, 그 부분들의 총체적 연결망 안에서만 입증될 수 있는 자유롭고 즉흥적인 감 각의 궤적이라 할 수 있다. 환유의 방법론, 즉 연상과 인접, 이월의 과정 속에서 서사를 둘러싼 감각적 풍성함을 담보하듯 말이다. 어떤 면에서는 이러한 감각적 충만함은 눈앞의 이미지에 다양 한 접근 경로를 가설함으로 언어적 규정과 주어진 의미 이상으로 대상에 대한 선명함을 선사한다. 그렇기에 서사로부터 탈주하는 의미 이면의 감각과 파편화된 인상의 연장에서 우리는 다성적 층 위의 공간적 감각까지도 확보하여 작가가 그려낸 모종의 세계에 다가서게 된다. 이러한 차원에서 보자면, 박서연이 그려낸 세계는 현실의 언어로부터 끊임없이 어긋나는 동시에 현실을 초월하는 감각을 앞세우며, 논리보다는 상상을 우선시하고, 때로는 의식보다는 무의식을 충동하는 초현실적 세계로 비치기도 한다. 의미로부터 미끄러지길 거듭하는 도상들, 파편화되고 패턴화된 이 이미지 들의 연쇄 속에서 이제 우리는 각자의 서사를 계속해서 구축해 나가야만 한다. 출현과 소멸을 반 복하는, 현실을 초월하는 서사와 시공을 목격하면서 말이다.
박서연은 재맥락화된 도상과 이미지를 통해 눈앞의 리얼리티를 새롭게 인식하도록 하며, 재배열 된 캔버스의 구성 논리 아래 다층적 서사와 복수의 의미를 허락한다. 이 과정에서 특정 장르에서 추출한 문자나 도상은 필연적으로 (서사의) 사라짐을 전재하게 된다. 하지만, 앞서 소실과 생성의 번역 논리에 작가의 작업을 빗대었듯, 그가 도용한 도상은 새로운 서사적 감각을 위한 단서로 기 능하게 된다. 그렇기에 이는 (서사의) 사라짐으로 생동하는 세계, 또 다른 서사라 할 수 있다. 서 사가 잠재된 사건으로서의 장면이자, 해석의 다양한 층위를 허락하는 알레고리인 박서연의 회화, 우리는 그가 만들어 낸 불완전한 네러티브에 몰입하여 현실을 바탕으로 한 자신의 서사를 능동적 으로 직조해야 하는 상황에 처한다. 오늘날의 이미지는 기호로서 해석을 기다리는 존재들이다. 그 냥 흩어지는 아무 의미 없는 장식이 아닌, 화면 위에 구성되고, 상호 관계를 맺으며, 의미의 연결 망을 이루는 존재라고도 달리 말할 수 있겠다. 하지만, 이미지는 그 스스로 먼저 말을 하지 않는 다. 그것을 바라보는 우리가 말을 덧댈 뿐. 즉, 이미지에 투영하는 우리의 욕망이 이미지를 의미 의 지평 위, 현실의 좌표 속에 고정시킨다.
1 작가는 지난 자신의 작업을 추리 소설에 빗대어 언급한다. 그것은 수수께끼와 같이 조각난 도상들-단서-를 통해 그가 화면 위 에 구축하려는 모종의 풍경을 사건화하는 토대가 된다.
2 작가는추출한도상을옮겨그리는것뿐만이아니라,종이위에옮기고오려내어마치도장을찍듯물감을묻힌후화면위에 반복적으로 찍는다. 이를 통해 발췌한 도상은 명료한 묘사가 소거된 마티에르로 전환된다.
The Screen is noisy and tumultuous. Rather than having a clear narrative, the intertwined combinations of colors in Park Seo-yeon's paintings, along with occasional glimpses of images, create a murmuring composition. At first glance, the icon, initially interpreted through the artist's playful gestures that fill the canvas, ultimately converges into a cohesive impression of abstraction. The amplification of uncertainty in front of images that resist easy predictability seems like a natural consequence. In the process of inferring meaning, viewers, much like ‘detectives’[1], use various elements within the Screen as clues to speculate about the content and must also construct a narrative within the context of the influential relationship with other screens outside the canvas. Her paintings open up a richer and more abundant realm of (narrative) possibilities by focusing on visual cues and sensations surrounding the incompleteness of this linguistic narrative. A landscape that seems to hold something, still difficult to define, but can be described as a view that provokes with its latent meaning.
Park Seo-yeon's work is composed of overlapping colors, fragmented images, and patterns that are scattered like traces. These images are primarily excerpts from popular culture that the artist encounters in daily life, such as webcomics, martial arts novels, detective novels, and so on. When you closely examine the somewhat randomly selected images, they seem to coarsely align with specific categories, as if by some degree of categorization. For example, altars where offerings are burned, objects floating in liquid, dragons and phoenixes, trees and fruits, and birds with outstretched wings exuding grandeur. When viewed within the realm of conventional genres, these images- even with slight variations in form and format- have repeatedly symbolized continuity, and the transcendence of reality. The artist introduces these elements into a deeply personal and ritualistic dimension, ranging from escapism and desires from reality, to personal guilt and liberation, ultimately leading to self-indulgent, self-hypnotic incantations for self-healing.
Moreover, the icon that has been selectively removed from conventional narratives by Park Seo-yeon is no longer an image in the context of a narrative, but rather becomes a symbol with highly personal significance in its own right. This icon acquires the status of a latent embryo awaiting subsequent narratives. In this context, the term "icon" is reinterpreted as a genre within the realm of painting, detached from the conventional contexts such as webtoons or novels. This unique methodology of the artist bears resemblance to the process of 'translation.' Translation involves accepting the fact that some information or nuances from the original text may be lost during the transfer to another language, while simultaneously allowing these lost meanings to be reconstructed anew within the new language. Hence, the artist's distinctive approach of extracting- de-narrativization- icon and repositioning- re-narrativization- it within the midst of a new composition can be understood within the conceptual framework of 'translation,' emphasizing both loss and creation. Ultimately, the icon that has departed from the original narrative comes to function within the subsequent narratives, signifying its symbolic value within the unique context provided by the artist. Furthermore, it implies that the audience's individual interpretations, situated outside the pictures, become the determining factor. Therefore, Park Seo-yeon's work, such as the incomplete parts of a narrative, is more symbolic than the narrative, and the detached icon that floats away from the context awaits some form of meaning like fragmented sequences in their own right.
On the other hand, the overall composition unified on single pictures can also extend and connect to another screen outside of it. The selected icon [2]reappears across different canvases repeatedly; the icon is stamped onto the canvas and as if through decalcomania, it becomes patterned. In the process of repetition, forms become more fragmented and disjointed, and at times, the shapes of the images become distorted, existing only as traces and textures. What is intriguing is that in this process of transition, the screen gradually moves further away from its original narrative and the reconstruction and rearrangement of the icon, as it traverses across canvases in a sequence, only serve to strengthen its function as symbolism. The artist's methodology of repeating and patterning the icon seems to follow the law of adjacency, leading to an endless chain of associations. This, in turn, bears a resemblance to the principles of metonymy, which can lead to decentered and de-systematized discourse. The intricate symbolic system established within a deeply personal logical structure primarily positions the viewer's gaze on an ongoing process of discovery rather than directly revealing meaning within the chain. The artist, by removing the meaning they sought to uncover through icon, instead continually provokes the potential for new narrative sensibilities. This can be seen as the trajectory of the artist's free and spontaneous sensibility within the holistic network of the images and components. The methodology of metonymy, which involves the processes of association, adjacency, and transfer, serves as a guarantee for the sensory richness surrounding the narrative. In some ways, this sensory richness goes beyond linguistic constraints and given meanings by hypothesizing various approaches to the image, explaining the subject beyond its linguistic regulations and assigned meanings. Therefore, in escaping the narrative, we approach a sense beyond meaning and fragmented impressions, extending into the multi-layered spatial sensations within the world the author has depicted. In this context, the world portrayed by Park Seo-yeon consistently diverges from the language of reality, simultaneously emphasizing sensations that transcend reality. It prioritizes imagination over logic and sometimes prompts the subconscious rather than conscious, thus presenting itself as a surrealistic realm. Now, within the chain of motifs slipping away from meaning and these fragmented, patterned images, we must each continue to construct our narratives. It is while witnessing narratives and dimensions that repeat emergence and disappearance, transcend reality.
Park Seo-yeon allows us to perceive the immediate reality anew through recontextualized motifs and images. Beneath the rearranged canvas's compositional logic, she permits multi-layered narratives and multiple meanings. In this process, characters or motifs extracted from specific genres inevitably undergo a (narrative) disappearance. However, as previously alluded to in the logic of loss and creation, the motifs borrowed by the author serve as clues for a new narrative sensation. Therefore, this can be considered as another narrative, a world brought to life by the disappearance of the (narrative). As scenes of narrative potential and allegories allowing various layers of interpretation, Park Seo-yeon's paintings immerse us in her imperfect narrative. In this situation, we find ourselves actively weaving our own narratives based on reality. Today's images are beings waiting for interpretation as symbols. It could be said that they are not just scattered, meaningless decorations but rather entities that are composed on the screen, establishing mutual relationships, and forminga network of meanings. However, images do not speak for themselves. We are the ones who add words as we look at them. In other words, our desires projected onto the image anchor the image in the horizon of meaning, within the coordinates of reality.
[1] The artist references their previous work using the metaphor of a detective novel. Through fragmented icon (clue) resembling puzzles, it becomes the foundation for him to narrate a certain landscape she intends to construct on the screen.
[2] The artist not only transfers the extracted imagery to paper but also, after applying paint like a stamp, repeatedly imprints it on the canvas by carving it out. Through this process, the excerpted imagery is transformed into a material where clear descriptions have been erased.
Park Seo-yeon's work is composed of overlapping colors, fragmented images, and patterns that are scattered like traces. These images are primarily excerpts from popular culture that the artist encounters in daily life, such as webcomics, martial arts novels, detective novels, and so on. When you closely examine the somewhat randomly selected images, they seem to coarsely align with specific categories, as if by some degree of categorization. For example, altars where offerings are burned, objects floating in liquid, dragons and phoenixes, trees and fruits, and birds with outstretched wings exuding grandeur. When viewed within the realm of conventional genres, these images- even with slight variations in form and format- have repeatedly symbolized continuity, and the transcendence of reality. The artist introduces these elements into a deeply personal and ritualistic dimension, ranging from escapism and desires from reality, to personal guilt and liberation, ultimately leading to self-indulgent, self-hypnotic incantations for self-healing.
Moreover, the icon that has been selectively removed from conventional narratives by Park Seo-yeon is no longer an image in the context of a narrative, but rather becomes a symbol with highly personal significance in its own right. This icon acquires the status of a latent embryo awaiting subsequent narratives. In this context, the term "icon" is reinterpreted as a genre within the realm of painting, detached from the conventional contexts such as webtoons or novels. This unique methodology of the artist bears resemblance to the process of 'translation.' Translation involves accepting the fact that some information or nuances from the original text may be lost during the transfer to another language, while simultaneously allowing these lost meanings to be reconstructed anew within the new language. Hence, the artist's distinctive approach of extracting- de-narrativization- icon and repositioning- re-narrativization- it within the midst of a new composition can be understood within the conceptual framework of 'translation,' emphasizing both loss and creation. Ultimately, the icon that has departed from the original narrative comes to function within the subsequent narratives, signifying its symbolic value within the unique context provided by the artist. Furthermore, it implies that the audience's individual interpretations, situated outside the pictures, become the determining factor. Therefore, Park Seo-yeon's work, such as the incomplete parts of a narrative, is more symbolic than the narrative, and the detached icon that floats away from the context awaits some form of meaning like fragmented sequences in their own right.
On the other hand, the overall composition unified on single pictures can also extend and connect to another screen outside of it. The selected icon [2]reappears across different canvases repeatedly; the icon is stamped onto the canvas and as if through decalcomania, it becomes patterned. In the process of repetition, forms become more fragmented and disjointed, and at times, the shapes of the images become distorted, existing only as traces and textures. What is intriguing is that in this process of transition, the screen gradually moves further away from its original narrative and the reconstruction and rearrangement of the icon, as it traverses across canvases in a sequence, only serve to strengthen its function as symbolism. The artist's methodology of repeating and patterning the icon seems to follow the law of adjacency, leading to an endless chain of associations. This, in turn, bears a resemblance to the principles of metonymy, which can lead to decentered and de-systematized discourse. The intricate symbolic system established within a deeply personal logical structure primarily positions the viewer's gaze on an ongoing process of discovery rather than directly revealing meaning within the chain. The artist, by removing the meaning they sought to uncover through icon, instead continually provokes the potential for new narrative sensibilities. This can be seen as the trajectory of the artist's free and spontaneous sensibility within the holistic network of the images and components. The methodology of metonymy, which involves the processes of association, adjacency, and transfer, serves as a guarantee for the sensory richness surrounding the narrative. In some ways, this sensory richness goes beyond linguistic constraints and given meanings by hypothesizing various approaches to the image, explaining the subject beyond its linguistic regulations and assigned meanings. Therefore, in escaping the narrative, we approach a sense beyond meaning and fragmented impressions, extending into the multi-layered spatial sensations within the world the author has depicted. In this context, the world portrayed by Park Seo-yeon consistently diverges from the language of reality, simultaneously emphasizing sensations that transcend reality. It prioritizes imagination over logic and sometimes prompts the subconscious rather than conscious, thus presenting itself as a surrealistic realm. Now, within the chain of motifs slipping away from meaning and these fragmented, patterned images, we must each continue to construct our narratives. It is while witnessing narratives and dimensions that repeat emergence and disappearance, transcend reality.
Park Seo-yeon allows us to perceive the immediate reality anew through recontextualized motifs and images. Beneath the rearranged canvas's compositional logic, she permits multi-layered narratives and multiple meanings. In this process, characters or motifs extracted from specific genres inevitably undergo a (narrative) disappearance. However, as previously alluded to in the logic of loss and creation, the motifs borrowed by the author serve as clues for a new narrative sensation. Therefore, this can be considered as another narrative, a world brought to life by the disappearance of the (narrative). As scenes of narrative potential and allegories allowing various layers of interpretation, Park Seo-yeon's paintings immerse us in her imperfect narrative. In this situation, we find ourselves actively weaving our own narratives based on reality. Today's images are beings waiting for interpretation as symbols. It could be said that they are not just scattered, meaningless decorations but rather entities that are composed on the screen, establishing mutual relationships, and forminga network of meanings. However, images do not speak for themselves. We are the ones who add words as we look at them. In other words, our desires projected onto the image anchor the image in the horizon of meaning, within the coordinates of reality.
[1] The artist references their previous work using the metaphor of a detective novel. Through fragmented icon (clue) resembling puzzles, it becomes the foundation for him to narrate a certain landscape she intends to construct on the screen.
[2] The artist not only transfers the extracted imagery to paper but also, after applying paint like a stamp, repeatedly imprints it on the canvas by carving it out. Through this process, the excerpted imagery is transformed into a material where clear descriptions have been erased.